Sobre la Música:

La música es el arte que se expresa por medio de la ordenación de los sonidos en el tiempo. Sus dos parámetros fundamentales son la armonía, que es la técnica de combinación simultánea de los sonidos, y la melodía, que es la técnica de combinación sucesiva.

La Música en Internet:

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6. Páginas donde poder escuchar y bajar música.
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8. Salas de conciertos, auditorium…
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Historia de la música occidental

La música antigua, medieval y renacentista

El aspecto teórico de la música occidental tuvo su origen en la Grecia clásica, con los estudios de Pitágoras y la fijación de los modos. El cristianismo recogió la tradición griega en la música que acompañaba la liturgia. Ésta fue reformada sucesivamente por san Ambrosio de Milán, el papa Gregorio I Magno y Carlomagno, dando lugar al canto llano o gregoriano. En el siglo IX apareció el organum, del que derivaron el discantus, el conductus y los inicios de la polifonía del Ars antiqua, cuyos máximos exponentes fueron Leónin y Perotin, de la escuela de Nuestra Señora de París. Paralelamente (siglo XII) floreció el arte poético-musical monódico de los trovadores provenzales, que se extendió a España, Portugal e Italia, y de los troveros franceses y los Minnesänger alemanes, que a su vez dieron lugar a los Meistersinger en el siglo XIV.

A principios de la mencionada centuria apareció en Francia el ars nova que impulsó la música profana y dio lugar a nuevas formas, complicando la polifonía y extendiéndose por Italia. La gran figura de este período fue G. de Machaut. En el siglo XV surgió con fuerza la escuela de polifonía franco-flamenca, que dio lugar a compositores de la talla de G. Dufay, J. Ockeghem, J. Obrecht y J. des Prés.

El triunfo del renacimiento se manifestó en la música profana con la aparición de escuelas nacionales, la creación de nuevas formas como el madrigal italiano, la chanson francesa, el lied alemán o el villancico español, y la creciente independización de la música instrumental. Figuras importantes fueron L. de Milán, L. de Narváez, A. de Cabezón, A. y G. Gabrieli, W. Byrd, O. Gibbons y J. Dowland. Mientras tanto, en la música religiosa se mantuvo la tradición, aunque facilitando la comprensión de los textos; destacaron autores como R. de Lassus, G.P. da Palestrina o T.L. de Victoria.

Del barroco al posromanticismo

Con C. Monteverdi, a caballo entre los siglos XVI y XVII se abandonó la música renacentista para entrar, con el barroco, en la gran época de la música, definida por la aparición de formas nuevas como el recitativo, el bajo continuo, la monodia acompañada, el oratorio, la cantata, la suite, el concerto grosso y la ópera. Grandes figuras de este período fueron A. Vivaldi, H. Purcell, G.F. Händel y J.S. Bach. A mediados del siglo XVIII la música conoció la fijación de formas nuevas como la sonata, la sinfonía, el trío, el cuarteto, el abandono de la ópera italiana en Alemania y la dominación de un estilo denominado indistintamente galante, rococó o clásico, cuyos máximos exponentes fueron los hijos de Bach, F.J. Haydn, W.A. Mozart, G. Rossini, G. Donizetti, V. Bellini y L. van Beethoven. Con este último se anticipaba ya un nuevo estilo centrado en la expresión de los sentimientos, la aparición de formas cada vez más libres (impromptu, balada, fantasía, poema sinfónico) y el dominio de los grandes géneros sinfónicos: el romanticismo. Grandes autores de este período fueron F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, R. Wagner, G. Verdi, J. Brahms, F. Mendelssohn-Bartholdy, A. Bruckner, C. Franck, Ch. Gounod, P.I. Chaikovski y G. Bizet, entre otros.

Del romanticismo nacieron los nacionalismos musicales, con figuras como los españoles M. de Falla y I. Albéniz, el francés P. Dukas, los rusos M.P. Músorgski, N.A. Rimski- Kórsakov y A. Borodín, el finlandés J. Sibelius, el húngaro F. Liszt, el checo A. Dvorák y el noruego E.H. Grieg, entre otros; y los autores posrománticos como R. Strauss, G. Puccini y G. Mahler. Paralelamente se impuso un estilo nuevo como el impresionismo, con las figuras fundamentales de C.A. Debussy y M. Ravel.

Las tendencias del siglo XX

Ya en el siglo XX se originaron numerosas nuevas tendencias que rompieron con la tonalidad, siendo A. Schönberg y sus seguidores A. Webern y A. Berg los más destacados representantes del dodecafonismo, la más estructurada de cuantas siguieron por la senda de la atonalidad. Otras figuras importantes que han evolucionado por caminos propios han sido B. Bartók, I.F. Stravinski, O. Messiaen y B. Britten, entre otros. Tras la segunda guerra mundial nacieron varias corrientes estéticas como la música concreta, la música electrónica, el postserialismo o la música aleatoria, que han conducido a la música a caminos netamente experimentales en busca de la renovación.

La música no europea

Todo lo relacionado anteriormente se ha referido a la música europea o, por los menos, inspirada por la cultura europea, con lo cual la música de otras muchas zonas del mundo ha quedado excluida. Con respecto a la música amerindia, africana, mediooriental y extremooriental pueden darse algunas claves que explican la falta de una historia musical tan desarrollada como la occidental. A pesar de que esta música difiere mucho de unas zonas a otras, pueden generalizarse algunos aspectos. Suele ser puramente melódica, y por tanto no presenta combinaciones armónicas, aunque en algunas melodías o fragmentos de melodías, con objeto de una mayor comodidad en la ejecución vocal, se canten a veces en cuartas o quintas, o incluso intervalos más pequeños y aún disonantes, tal como se hacía en Europa al comienzo de la polifonía. Lo más frecuente en este sentido son los pedales instrumentales, semejantes a los de la gaita.

En cuanto al ritmo, puede generalizarse que se usan ritmos libres que no se ajustan a un sistema uniforme de tiempos y compases. La excepción en este campo la constituye la música para la danza, de carácter rítmico muy acentuado, con gran profusión de instrumentos de percusión y ritmos muy complicados. Los sistemas de escalas usan con frecuencia los microtonos, especialmente los cuartos de tono, alcanzándose una variedad de 24 sonidos en lugar de 12 como en la música occidental. Sin embargo, no se toma la serie completa sino tan solo pequeños fragmentos o, incluso, en algunas zonas (como en las montañas de la India, China, Japón, norte de Argentina, Escocia) se emplea aún la primitiva escala pentatónica, que ni tan solo contiene semitonos.

Una gran parte de la música no occidental presenta la característica común de no requerir más ámbito que media octava o poco más. Sin embargo, existen algunos sistemas de modos que dan lugar a escalas particulares. Otra característica muy general es el abundante uso de los adornos, siendo frecuentísimas las notas largas adornadas con trémolos o que se transforman en pasajes ornamentales de notas más cortas. También es muy frecuente la improvisación, que requiere trabajar dentro de un modo con gran habilidad, bien sea a partir de material original o bien con adornos añadidos a melodías tradicionales.

Las formas suelen ser muy simples, con melodías cortas que consisten en dos o tres frases solamente, lo que las hace fácilmente comprensibles por todos. Los instrumentos son de construcción relativamente sencilla, salvo excepciones, y su misión primordial es la de acompañar la voz más que tocar independientemente. Finalmente cabe añadir que no existe prácticamente notación musical alguna y que las melodías se transmiten oralmente, de la misma manera que la música folclórica occidental.